Antecedentes históricos
A finales de siglo XIX Georges Méliès creó una nueva forma de entender el lenguaje audiovisual por medio de su descubrimiento, que más adelante se convertiría en pieza clave para el cine, ya que le daría la posibilidad de crear espacio y tiempo en las historias de la pantalla grande: El corte. Gracias a este, Melies pudo generar una serie de trucos en sus films que con el tiempo le abrieron paso a nuevas formas de montaje. Más adelante, Edwin Porter creó otra forma de montaje, imitando a Méliès en cuanto al uso del corte (Uncle Josh’s Nightmare 1900), pero Porter le dio una sensación de secuencia al film, donde se hilaba una historia de principio a fin como si se tratara de un cuento (The Great Train Robbery 1903) A esto se le llamó montaje narrativo.
Desde ese momento se comenzó a establecer la diferencia entre las formas de montaje, teniendo en cuenta que el norteamericano se muestra de una manera más literaria que experimental o musical, a diferencia del ruso. Con la aparición del sonido, los rusos publicaron el Manifiesto del Contrapunto Sonoro, donde buscaban que al sonido se le diera un lugar importante en el lenguaje audiovisual.
No. C
Porter, Edwin, 1903, "The Great Train Robbery"
http://www.youtube.com/watch?v=Bc7wWOmEGGY
Se habla entonces de los tipos de montajes cinematográficos, el ruso y el norteamericano. El primero está representado por cinco formas de montaje: el métrico, tonal, sobretonal, intelectual y por último, el rítmico. Es justo en este punto donde nos detendremos, en el rítmico, porque como su nombre lo indica, le da una sensación de ritmo a la secuencia y no es necesario que la longitud de los fragmentos sea precisa y métrica. Así es el videoloop, una creación audiovisual donde la reiteración del corte le da sentido al montaje por medio del ritmo. Es el resultado de la suma de tres elementos fundamentales: el ruido, el cine y la música. Y su intención es hacer que a través de un proceso audiovisual se obtenga un producto video-musical.
El cine y su historia: Aparición y desarrollo
del lenguaje audiovisual
Los inicios del cine se le pueden atribuir a Thomas Alva Edison con la creación del Kinetoscopio, elemento que le permitió capturar imágenes y rodarlas, lo que facilitó su visualización (URRACA, J. 2012). Posteriormente, el descubrimiento de Edison llegó a manos de los hermanos Louis y Auguste Lumière, quienes patentaron el cinematógrafo (1895), cuyo fin era tomar imágenes y proyectarlas. Más adelante Georges Méliès se vió atraído por lo que habían realizado los hermanos Lumière, debido a que él asistió como invitado al estreno de los Lumiere, enamorándose de ese invento, por lo que compra el estudio cinematográfico Robert Houdin en París y se dedicó a crear films (PUIG–PUNYET, 2009).
Méliès descubre por accidente lo que cambiaría sin duda el concepto de cine, un aporte técnico decisivo en este tema, ya que cuando su cámara se encontraba registrando una escena, paró de filmar por una fracción de tiempo, al analizar lo que obtuvo se encontró con una ilusión óptica, tal vez mágica, una desaparición y nueva aparición del personaje, así que decidió poner en práctica este hallazgo en todas sus creaciones fílmicas: el corte (N.N). Su descubrimiento, logró que se pudiera interrumpir una escena y por medio del montaje unirla con otra o superponer imágenes. Méliès introduce en el mundo del cine más aspectos importantes para poder conocer tal cual es hoy en día una película, dichos elementos son la edición, detención de cámara, sobreexposición y la manipulación del tiempo y espacio. El descubre el sentido del cine.
A inicios del siglo XX Edwin Porter, director de cine norteamericano, consolida la técnica narrativa del cine, es decir, cuenta una historia de inicio a fin en la pantalla, utilizando algunos elementos del montaje que tomó de los films de Melies. El método que comenzó a utilizar Porter se le llamó montaje narrativo. Como ejemplo su filme The Great Train Robbery en 1903. Teniendo en cuenta esta forma de hacer cine a través del relato, se establecen los tipos de montaje norteamericano: el lineal, que deja ver una secuencia, es decir, escena tras escena de inicio a fin. El paralelo, que muestra dos historias simultáneamente en la pantalla. El invertido, que nos refiere a los recuerdos, anhelos o sueños y por último el montaje alterno, que a su vez son acciones paralelas.
El corte cinematográfico: aparición del montaje
El corte cinematográfico se puede definir como una forma directa de cambiar de un plano a otro. Es una expresión del lenguaje, cierra una toma o inicia otra. (PUGA, 2001). El corte aparece en la historia del cine gracias a Georges Méliès quien, como ya se había mencionado, lo descubrió por accidente debido a una falla técnica. Desde ese momento fue posible jugar y experimentar con el tiempo y espacio en los productos fílmicos. Algunos ejemplos célebres realizados por Méliès son: Escamotage d'une dame au théâtre Robert Houdin (Desaparición de una dama en el teatro Robert Houdin) en 1896 y Voyage dans la Lune (El viaje a la Luna) en 1902 entre otros.
Se entiende que el medio fundamental por medio del cual el cine ha alcanzado un alto grado de eficiencia es el montaje. “(...) Es frecuente la concepción ingenua que entiende por montaje la simple operación de encolar los varios trozos de película según el orden cronológico; para otros, existen sólo dos tipos de montaje: uno lento y otro rápido, olvidando o ignorando que el ritmo, es decir, la ley que determina la duración o la brevedad de los trozos de película a montar, está en realidad muy lejos de agotar todas las posiblidades del montaje” (ROMANGUERA, 2010).
El uso del corte le abrió paso al montaje cinematográfico, que a su vez se puede definir como el proceso que se usa para ordenar los planos y las secuencias de un filme, de tal forma que el espectador los vea del modo que quiere el director. Además la manera de colocar los distintos planos puede cambiar el sentido, y por tanto el mensaje, de una película (MARTÍNEZ, E. y SÁNCHEZ, S.). Como ejemplo, Un homme de têtes en 1898 de Georges Méliès, L'homme-orchestre (El hombre orquesta) en 1900, Life of an American fireman (Vida de un bombero americano) en 1902 de Edwin Porter.
Hermanos Wachowski, 1999, Matrix.
La utilización del sonido a modo de contrapunto respecto a un fragmento de montaje visual ofrece diversas posibilidades de desarrollar y perfeccionar el montaje, ya que el sonido introduce una nueva forma de resolver y expresar problemas que antes solo se creìa que se podìan resolver con elementos visuales (ROMANGUERA, 2010). El montaje ha presentado una evolución con el pasar del tiempo. Actualmente se pueden evidenciar filmes como Matrix (1999) que logran superar a muchos productos cinematográficos en cuanto a velocidad de planos y montaje se entiende, debido a que lo que se busca el montaje actual es no darle tiempo al cerebro para que participe conscientemente y tratar que los reflejos nerviosos actúen sin sentido.
Videoclip como creación de videos breves
En los años 60 nació el videoclip en la sociedad occidental, en donde la industria discográfica centró su atención en la población joven, teniendo en cuenta sus gustos y aficiones, principalmente la música, para poder crear una nueva forma audiovisual para poder hacer uso de ello como un medio de publicidad. En los Estados Unidos empezarón a presentar diversos “vídeos con una selección de actuaciones filmadas. Su difusión era muy reducida, al estar destinada a informar a los distribuidores discográficos de las tendencias comerciales, pero pronto se generalizaron, propiciando transformaciones narrativas y formales que desembocaron en el formato del videoclip tal como hoy se concibe: se añadieron efectos especiales a estos breves fragmentos de actuaciones y el resultado les otorgó estilo y un original carácter” (SEDEÑO, 2007).
En la historia del lenguaje audiovisual, se considera que el primer videoclip fue Bohemian Rhapsody por Queen del álbum A night at the opera realizado por Bruce Gowers en 1975, convirtiéndose en un éxito comercial. A partir de este momento empezó a circular más clips de video de diversos artistas como Madonna, Aerosmith, o Michael Jackson con Thriller, el cual vendió más de ocho millones de copias.
Como punto básico se selecciona un tema o una idea de lo que se quiere grabar para el videoloop, no importa con que cámara se grabará, puede ser desde un celular, como en nuestro primer Videoloop, o hasta con una cámara totalmente profesional. Al tener los archivos recopilados se procede a la edición como tal del videoloop.
Es necesario crear una tabla de tiempo siguiendo unas especificaciones, así, que con relación a la duración, Felipe Cardona, Coordinador del Área Audiovisual y de Producción de la Facultad de Comunicación Social - Periodismo de la Universidad Externado de Colombia, presenta un Timeline en donde es posible ver el cómo saber la durabilidad en el producto que se esté realizando.
Figura musical
|
Duración
|
Equivalencia de duración en video (30 fps DV NTSC)
|
MÁXIMA
 |
32 tiempos
|
1 minuto 20 frames
|
LONGA
 |
16 tiempos
|
38 segundo 4 frames
|
CUADRADA
 |
8 tiempos
|
17 segundo 2 frames
|
REDONDA
 |
4 tiempos
|
8 segundos 16 frames
|
BLANCA
 |
2 tiempos
|
4 segundos 8 frames
|
NEGRA
 |
1 tiempo
|
2 segundos 4 frames
|
CORCHEA
 |
½ tiempo
|
1 segundo 2 frames
|
SEMICORCHEA
 |
¼ tiempo
|
16 frames
|
FUSA
 |
1/8 tiempo
|
8 frames
|
SEMIFUSA
 |
1/16 tiempo
|
4 frames
|
GARRAPATEA
 |
1/32 tiempo
|
2 frames
|
SEMIGARRAPATEA
|
1/64 tiempo
|
1 frame
|
ARTURO. (2004). Bitácora de Arturo. Lima, Perú. Obtenido en: http://arturos.blogspot.com/2004/09/stomp-out-loud.html
Sepich, J. (Octubre 2009) Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº24. Año VI, Vol. 24, Buenos Aires, Argentina. Información obtenida en: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=136&id_articulo=4606
Jones, Quincy (1982). Thriller de Michael Jackson
http://www.youtube.com/watch?v=sOnqjkJTMaA
Ahora bien, el videoclip como un video de poca duración en donde las imágenes y el audio son los elementos principales para su creación. Como menciona Ana María Sedeño en su artículo Narración y Descripción en el Videoclip Musical, el clip de video es el resultado de asociar lo visual con lo musical, así, cada producto realizado tendrá su propia historia y su propio lenguaje. Todo lo anterior con el fin de atraer la atención del espectador gracias a su contenido.
Entonces, se conoce como “Una forma de arte dinámico en la que lo visual y lo musical se combinan, a través de lo que se produce una interacción entre las dos partes. Con eso se logra un efecto único que sería imposible sin la interacción entre ambas partes. La forma ideal es la música visual, es una fascinante combinación de disciplinas que se complementan mutuamente, esa combinación de formas, colores y música crea ilimitadas posibilidades de expresión artística.” (Body y Weibel, 1987, p. 53) (Narración y Descripción en el Videoclip Musical).
Hacer música sin música
El Diccionario de la Lengua Española define a la música como el “Arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente.” Nos hemos planteado la siguiente pregunta en torno a este tema, ¿Sólo se puede hacer música por medio de los instrumentos músicales?
En este punto es necesario definir qué son los instrumentos musicales, cuyos antecedentes se remontan hasta la prehistoria, en donde existian flautas de cañas, palos de tambor, silbatos realizados por huesos de animales. Además, en el antiguo egipto, existen evidencias de arpas y flautas (ACÚSTICA).
STOMP Auckland - http://www.stomp.co.uk/
Ahora bien, con relación a si sólo es posible hacer música a través de instrumentos musicales la respuesta es clara, es posible crear música sin la necesidad de instrumentos musicales. Ya sea por medio de objetos como cilindros, canecas de basura, escobas, balones, llantas, tapas de ollas, lavaderos de baño, cajas, tubos, entre otros, acompañados con coreografías generan ritmos musicales, como es el caso del grupo STOMP, quienes emplean “los objetos de los más inusuales para hacer música, objetos de los cuáles nadie pensaría obtener ese conjunto de notas musicales porque sencillamente no fueron creados para eso.” (ARTURO, 2004)
Es más, el VideoLoop, como ya se ha mencionado, se conforma gracias a fragmentos de video, sin la necesidad de que en ellos exista música o instrumentos, y con así es posible generar ritmo.
Música en el cine
La música es el arte por medio del cual se expresan sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que van a conmover la sensibilidad del individuo y a producir una transformación psicológica en él. Una de sus funciones es la de comunicar, entretener y ambientar. Con la aparición del sonido en el cine en 1927 con El cantante de jazz de Alan Crosland, el cine adquirió un nuevo sentido.
Más adelante, Oskar Fischinger, por ejemplo, vio al cine como música expresada en formas danzantes, es decir, formas ondulantes que intuitivamente parecían que siguieran el ritmo de la música. Con Fischinger la música más que sonido fue un elemento visual, como si de algún modo la música y la imagen se encontraran en una misma longitud de onda. Ambas series, la visual y la sonora se mezclaron y afirmaron la supremacía de la Imagen, como experiencia perceptual y mental, en el cine.
Oskar Fischinger/ Tönende Ornamente
Música en video
En los años 60 surgen diferentes movimientos artísticos como el happening y el fluxus, este último es alternativo viene del dadaísmo y el surrealismo, en donde la esencia se encuentra no en los objetos que conforman la obra, sino en la participación de las personas pasivas que se convierten en activas. (Arte de hoy.com). De estos salen artístas que implementaran sus conocimientos en los videos.
Fluxus, surge en Alemania en la década de los 60 que luego se expandió por toda Europa y los Estados unidos. Es un grupo que se creó gracias a la fusión de todo lo que rodea al arte con la música para lograr alterar el tiempo-espacio dándole prioridad a la imaginación y a la reflexión. (SEPICH, 2009)
Del grupo anterior emerge el pionero del videoarte Nam June Paik, un surcoreano que desde temprana edad mostró gran interés por la música, y que, junto con el alemán Wolf Vostell decidieron experimentar con la televisión exponiendo así sus creaciones artísticas. Lo que él hacía era pegar varios imanes a los televisores logrando que la imagen se distorcionara y con esto rompió el paradigma con relación a la construcción de la imagen deformándola y alterandola lo más que podía.
A partir de este momento la realización de vídeo toma otro camino, uno más complejo donde emergió la conexión entre este y el found-footage, dando como resultado un discurso visual que se vió plasmado en todo tipo de filmes y programas televisivos. A su vez fue creciendo de la mano del pop y todo su movimientos acercando el vínculo con la publicidad y los medios de comunicación. (PINILLA, 2007)
Youtube
Youtube es una red social creada en el 2005 por Chad Hurley, Steve Chen, y Jawed Karim, tres empleados de PayPal. En abril del mismo año se subió el primer video a esta red bajo el nombre de “Me at the zoo” (ROSE, Febrero 15 de 2013). A los dos años de su creación ya contaban con más de treinta millones de visitas difundiendo más de cien millones de vídeos diarios.
A partir de ese momento Youtube se convirtió en la página web con mayor vídeos en todo el mundo, además de que la compañía Google al ver que no podía con la competencia decidió comprarlo en el 2007 por 1300 millones de Euros. (AMAYA, Mayo 24 de 2009).
Youtube es una plataforma que le permite a los usuarios subir, producir y compartir videos. En la actualidad muchas personas deciden experimentar y crear formas particulares de representar y poner en escena de manera empírica los conceptos introducidos por Eisenstein. Tal es el caso de Lasse Gjertsen, que experimenta con ruidos, ya sea creados por el mismo o provenientes de instrumentos musicales, por medio de los cuales genera ritmo, movimiento y música en sus productos audiovisuales.
Lasse Gjertsen - http://walkingdesastershome.blogspot.com/2011/01/sehenswert.html
Este animador noruego ha sido reconocido a nivel mundial como Lassegg y su canal oficial en el portal Youtube es: http://www.youtube.com/user/lassegg/videos. El primer vídeo que subió es Hyperactive con 7.751.880 reproducciones en el 2006.
Hacer un videoloop
Para muchos, el videoloop puede tratarse de una nueva forma de montaje, pero teniendo en cuenta los antecedentes históricos, se podría decir que es el resultado de un proceso audiovisual que ha venido evolucionando, dando como resultado una propuesta rítmica que se halla más del lado de la música y que se realiza a partir de bucles o loops, que hacen referencia a la reiteración exacta de sonidos que se enlazan en una secuencia y generan una sensación de continuidad sonora.
El videoloop es una creación audiovisual donde la reiteración del corte le da sentido al montaje por medio del ritmo. Es el resultado de la suma de tres elementos fundamentales: el ruido, el cine y la música. Y su intención es hacer que a través de un proceso audiovisual se obtenga un producto video-musical.
En donde se establece una duración, como ejemplo tomamos 17 segundos y 2 frames, este tiempo se multiplica para aumentar la duración y se divide para restar hasta llegar a el menor frame posible.
En nuestros dos primeros Videoloop creamos y seguimos los tiempos que se exponen en la siguiente tabla:
Al tener la tabla realizada es posible dar inicio a la edición del video en el programa de edición que cada quien elija, nosotras elegimos Adobe Premiere Pro CS6, un espacio de montaje y edición de vídeos profesionales en tiempo real desde el computador.
Como en la edición de cualquier video lo principal es importar los archivos. Al tenerlos se revisan uno por uno buscando los fragmentos que contengan diferentes sonidos que puedan generar ritmo a la hora de unirlos siguiendo en todo momento la tabla de tiempos. Encontrar el ritmo, eso es lo primordial a la hora de hacer un Videoloop, así, que en este punto es necesario “experimentar” hasta poder hallar lo deseado.
La edición del primer videoloop, TransmiLoop se manejó en forma de fuga, es decir, en la línea de tiempo se generó una división de Tracks, tanto de vídeo como de audio, donde se sobreponen unos sobre otros, generando una especie de “onda visual” por así decirlo.
Lo anterior lo exponemos ya que pensamos que no es necesario seguir la reglas, a la hora de colocar los fragmentos de los vídeos de forma lineal, sino que es posible de cualquier manera y sin atenerse a nada, a excepción de la tabla de tiempo. Aunque, es posible también jugar con esta, siempre y cuando se tengan en cuenta que es posible generar nuevos valores de tiempo respetando el mecanismo de operación de la tabla y procurando tener como resultado un producto rítmico.
Conclusiones
Desde que Georges Méliès descubrió el corte y con ello el montaje cinematográfico, se comenzó a ver narratividad y contexto en lo que se plasmaba en las pelìculas. Es definitivo que la aparición del montaje le dio un nuevo sentido al cine, porque le permitió jugar con los planos, sobreponer imágenes, contar dos historias o más simultáneamente, crear ilusiones de pensamiento, entre otros. Es decir, permitió ver el cine con otros ojos Eisestein definió las las cinco formas de montaje ruso: métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual, que se diferencian de los tipos de montaje norteamericano, porque van más de la mano de la música que de la literatura.
El montaje y su aplicación, tanto en el cine como en diversos productos audiovisuales, ha permitido la manipulación y creación de efectos ya sean visuales o sonoros, lo que evidencia una evolución en su desarrollo con el paso del tiempo. En el caso del Videoloop, que a su vez es una forma de montaje, la reiteración de un fragmento de video, ya sea musical o simplemente ruido, es el principal elemento para poder crear la sensación de ritmo que posteriormente se convierte en un producto audiovisual - musical.
Actualmente, gracias a los diferentes dispositivos que permiten registrar audio y video es posible realizar diversos productos audiovisuales, entre ellos los Videoloops, gracias a diferentes aplicaciones que ya permiten hacerlo y poderlos reproducir en páginas de internet como Vimeo y Youtube.
Referencias
ACÚSTICA MUSICAL. obtenido en: http://www.lpi.tel.uva.es/~nacho/docencia/ing_ond_1/trabajos_05_06/io2/public_html/intro_instrumentos.html
AMAYA, E. La fenomenal historia de Youtube. Mayo 24 de 2009. En: http://www.1000ideasdenegocios.com/2009/05/historia-de-youtube-fenomenal.html
ROSE, M. D. The 22 Key Turning Points In The History Of YouTube. Febrero 15 de 2013. En: http://www.businessinsider.com/key-turning-points-history-of-youtube-2013-2?op=1#ixzz2VHkCsfXR
CARDONA, F. (2012). El videoloop, sueño cumplido del montaje ruso o nueva forma de edición.
EISENSTEIN, S. (2010). El sentido del cine. México: siglo veintiuno editores, s.a.
EISENSTEIN, S. (2003). La forma del cine. México: siglo veintiuno editores, s.a.
MARTÍNEZ, E. y SÁNCHEZ, S. El lenguaje del cine: el montaje cinematográfico. Octubre 31 de 2012 en: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/lenguajecine.htm
Montaje cinematográfico. Octubre 30, 2012, en: http://iberaz.tripod.com/
PINILLA, R (2007). Videoarte y apropiacionismo. En: http://www.eepsys.com/cs/anuarios/epsys_2007.pdf#page=7
PUGA, P. (2001). El cine no intenta copiar la realidad, mas bien busca interpretarla, para lo cual requiere crear su propio lenguaje. Un Lenguaje Cinematográfico. Octubre 29, 2012, en: http://www.avizora.com/publicaciones/cine/textos/textos_002/0012_lenguaje_cinematografico_universal.htm
ROMAGUERA, J., y ALSINA, H. (2010). Textos y manifiestos del cine. Estética. Escuelas. Movimientos. Disciplinas. Innovaciones. Madrid, España: Ediciones Cátedra.
SEDEÑO, Ana María. Videoclip musical: Desarrollo industrial y últimas tendencias internacionales. En: Ciencias Sociales Online, MARZO 2006 Vol. III, No 1. Referencia: ISSN 0718. 1671.
SEDEÑO, Ana María. Videoclip musical: Materialidad electrónica e influencia del videoarte. En: Área abierta No 16. MARZO 2007 Referencia: AA16. 0703. 84.
No hay comentarios:
Publicar un comentario